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Cuáles son las mejores guitarras criollas en Argentina

Los modelos con mayor nivel y calidad, de las guitarras criollas cuentan con diversas opciones y un instrumento de estos te brindará las prestaciones que espera cualquier músico.

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Cuáles son las mejores guitarras criollas en Argentina

En esta publicación te vamos a contar cuáles son las mejores guitarras criollas en Argentina. Transitaremos por marcas, algunos precios y estilos de estas violas.

Vamos a tratar de ver todo lo posible con comparaciones entre una guitarra criolla usada con otra nueva, deteniéndonos en las partes de este maravilloso instrumento musical, acariciando las cuerdas de la guitarra y las notas que se desprenden de una guitarra criolla. 

Cuáles son las mejores guitarras criollas

Los modelos con mayor nivel y calidad, de las guitarras criollas cuentan con diversas opciones y un instrumento de estos te brindará las prestaciones que espera cualquier músico. Sigue leyendo y descubre todos los tipos de guitarras criollas que existen.

Guitarras criollas marcas recomendadas

A la hora de pensar en una viola, lo primero en lo que piensa un guitarrista es en las marcas de guitarras criollas. A continuación les dejamos una lista de las más solicitadas en cualquier fabrica de guitarras criollas que cubren un amplio espectro desde usadas y baratas que incluyen marcas poco conocidas, hasta nuevas y con altos precios donde se destacan muchas reconocidas mundialmente.

Hemos preparado la siguiente lista para ti, con las que consideramos las 10 mejores marcas de guitarras criollas que se consiguen hoy por hoy en el mercado.

FenderStaggGibsonIbanezMiniSuzukiTakamineFonsecaYamahaGracia

Como habrás notado, en esta lista incluimos marcas de guitarras criollas nacionales. Además suelen consultarnos si son buenas las guitarras criollas Gracia, por lo que las sumamos a esta guía para despejar dudas.

Cuáles son las mejores guitarras criollas o clásicas en Argentina

Originalmente la guitarra de concierto fue concebida para extraer de ella lo mejor de las obras de compositores clásicos como Tárrega, Carcassi o Sor. Cuando a principios de los años 60s se fue extendiendo el Rock’n’Roll, se percibía la burla y la mofa entre los círculos puristas cuando se empleaba de forma “sacrílega“ la guitarra de concierto, por ejemplo para entonar canciones de Elvis.

La guitarra de concierto

No fue al menos hasta el gigantesco éxito del álbum “Unplugged” de Eric Clapton cuando hasta los puristas más acérrimos se dieron cuenta de que el cálido y sereno sonido de la guitarra de concierto resultaba ya una parte integradora en la producción de música comercial contemporánea. A pesar de este desarrollo, no cabe discusión alguna en el hecho de que esa extensión paulatina del empleo de la guitarra de concierto, en gran medida ha venido marcada por la influencia del desarrollo de la música “clásica“ de guitarra a lo largo del siglo 19.

Guitarras criollas usadas baratas

Todos, o la gran mayoría de nosotros, para no ser absolutos en la definición, a la hora de comprar un instrumento musical buscamos el menor precio posible, o sea guitarras criollas buenas y baratas.

Origen e historia de la Guitarra Criolla

El origen de la guitarra criolla, a pesar de ser muy conocido, poco se sabe del origen de la guitarra en sí misma. La guitarra se dice que data del imperio Egipcio donde se utilizaba un instrumento similar a la guitarra para reuniones y festejos populares.

¿Cómo se hace una guitarra criolla?

Selección de la madera.Secado de la madera.Corte de la tapa y la boca de la guitarra.Armado de la caja.Construcción del mango.Unión de las piezas.Colocación de diapasón.Pintura y barnizado.

¿Cómo está compuesta una guitarra criolla?

Este maravilloso instrumento está conformado por una caja de resonancia, la cual es de madera, y además posee un mástil conectado a un diapasón, el cual contiene un determinado número de trastes, y cuya función de forma ascendente o descendente es desarrollar la escala cromática de los sonidos.

¿Qué familia pertenece la guitarra?

La guitarra, también conocida como guitarra clásica o guitarra española,​ es un instrumento musical de la familia de los cordófonos, es decir los instrumentos que producen su sonido al hacer vibrar las cuerdas.

¿Cómo saber si una guitarra criolla es buena?

Hablemos especialmente de una guitarra clásica de concierto de calidad, sobre la que remarcamos dos puntos fundamentales.

En todas las cuerdas se cumplirá que pisando el traste 12 se produzcan la octava respecto al sonido de la cuerda al aire.El sonido de las guitarras ha de ser limpio en todas las cuerdas y en todos los trastes, sin que se oigan roces debidos al cerdear de las cuerdas.

¿Qué tipo de instrumento es la guitarra?

La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero —generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa (boca), y seis cuerdas.

¿Cuáles son las cualidades de la guitarra?

Las principales características de la guitarra clásica son que tiene seis cuerdas afinadas. La caja de resonancia es chata y tiene forma de ocho; tiene una abertura o una boca de resonancia que va ubicada en la tapa armónica.

¿Quién inventó la guitarra criolla?

La primera guitarra fue inventada en el año 1850 por el español Antonio Torres Jurado. Este hombre realiza el diseño de la guitarra modificando la mandolina que había creado Gaetano Vinaccia en el año 1779.

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Las 50 mejores canciones de guitarra

La guitarra sigue siendo su voz esencial. Aquí, las 50 mejores canciones de guitarra para entender por qué.

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Las 50 mejores canciones de guitarra

De Chuck Berry a Mars Volta, cincuenta momentos irrepetibles a través de las 50 mejores canciones de guitarra de la historia del Rock & Roll.

Lo que resuena en estas canciones únicas es furia, desesperación y felicidad, en muchos casos todo eso a la vez. Podés escuchar el blues, el gospel y el rockabilly que los precedió, transformados por la necesidad de gritar algo nuevo. Durante medio siglo, el rock fue el sonido de la libertad. La guitarra sigue siendo su voz esencial. Aquí, las 50 mejores canciones de guitarra para entender por qué.

50 «Debaser» – Pixies 1989

Joey Santiago era un héroe de la guitarra para los punks que seguían a los Pixies, y sus agudos punteos surfer en este tributo al surrealismo explica las razones: su enmarañada guitarra armoniza a la perfección con la guitarra rítmica del cantante Black Francis y sus roncos alaridos. «Yo debería estar en esa banda», dijo Kurt Cobain en 1994. «O al menos en una banda de covers de los Pixies.»
Aparece en: Doolittle

49 «Machine Gun» – Jimi Hendrix 1970

Tal vez el mejor documento en vivo de Hendrix. Este blues antibélico es una marcha espectral en la que Hendrix llena los espacios con fuego de ametralladora, notas sombrías e inmersiones kamikaze. Dedicada a «los soldados que están peleando en Chicago, en Milwaukee y en Nueva York», y también en Vietnam, es el sonido de una nación en guerra contra sí misma.
Aparece en: Band of Gypsys

48 «London Calling» – The Clash 1980

Una mezcla perfecta de ferocidad punk y ambición clásica. «London Calling» también tiene una de las más memorables líneas de guitarra de los Clash. Mick Jones y Joe Strummer empuñan pequeños acordes hasta que Jones desenvaina un solo que empieza con un chillido y de pronto se convierte en un enjambre de abejas. El acople final suena como un SOS en Código Morse.
Aparece en: London Calling

47 «Panama» – Van Halen 1984

Una de las grandes combinaciones de energía hard rock, habilidad técnica y meticuloso detallismo de parte de un guitarrista que domina esas tres virtudes: el riff de «Panama» no podía ser más directo, y Eddie Van Halen no podía haberlo tocado con más clase. Eddie y David Lee Roth pasan toda la canción tratando de impresionarse mutuamente, y ambos lo logran.
Aparece en: 1984

46 «Miserlou» – Dick Dale and the Del-Tones 1962

Dale arranco con esta adaptación de una vieja canción griega cuando un fan lo desafió en un show a tocar una melodía con apenas una sola cuerda. En el estudio, Dale fortificó su staccato con incisivos agudos y un reverb oceánico. El resultado: una nueva marca para el surf rock.
Aparece en: King of the Surf Guitar: The Best of Dick Dale & His Del-Tones

45 «I Saw Her Standing There» – The Beatles 1963

El rasgueo se escucho por todo el mundo: «I Saw Her Standing There» es la primera gran canción de los Beatles, motorizada por la química a dos guitarras de John Lennon y George Harrison. Una apretada síntesis de rhythm & blues y rockabilly. De repente, Liverpool tenía un nuevo sonido… y todas las bandas de garage, un nuevo punto de partida.
Aparece en: Please Please Me

44 «Dig Me Out» – Sleater-Kinney 1997

Uno de los mejores estallidos punks de los 90, «Dig Me Out», marcó el punto donde el primitivismo indie de este trío sin bajo se convirtió en una epopeya de guitarras. La avalancha de feroces riffs de Carrie Brownstein se funde con la corrosiva voz de Corin Tucker y su guitarra (en una afinación más grave), anunciando la llegada de una gran banda estadounidense.
Aparece en: Dig Me Out

43 «Holidays in the Sun» – The Sex Pistols 1977

La fuerza cruda de «Holidays» es engañosa: a pesar de la postura de precariedad técnica de los Pistols, el guitarrista Steve Jones tenía grandes habilidades: él sobregrabó sus partes de guitarra rítmica (con un amplificador robado en un concierto de Bob Marley) con precisión militar, mientras que su solo de guitarra es una actualización punk de Chuck Berry.
Aparece en: Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols

42 «Hideaway» – John Mayall and the Bluesbreakers 1966

John Mayall le acercó el fuego del blues de Chicago a una generación de rockeros británicos, cuya estrella sería Eric Clapton, entre los Yardbirds y Cream. En esta virtuosa interpretación de un tema de Freddie King, Clapton pone su amplificador al máximo y sus dedos se atomizan.
Aparece: Bluesbreakers with Eric Clapton

41 «Marquee Moon» – Television 1977

El punk rock recien había nacido y Televisión ya lo llevaba a una nueva y virtuosa etapa con esta pieza de diez minutos. Tom Verlaine y Richard Lloyd intercalan sus riffs y ascienden en espiral hasta llegar al embrujado solo de Verlaine, que ocupa la mitad de la canción. Su cerebral elegancia abrió el camino a Wilco y Pavement.

Las 50 mejores canciones de guitarra

Seguimos recorriendo la historia de las 50 mejores canciones de guitarra en la historia del Rock & Roll, un legado que quedará grabado para siempre en nuestros recuerdos. Podríamos haber elegido las 100 mejores canciones del mundo
con música de guitarra relajante, pero esto se trata de Rock.

40 «I Can See for Miles» – The Who 1967

Pete Townshend lo denominó «el máximo registro de los Who» y puso en él todo su arsenal: acordes poderosos, golpes al diapasón, penetrantes zumbidos y cambiantes acentos que lanzaba a sus compañeros para cambiar el rumbo. Fue un avance importantísimo que elevó el nivel del rock de guitarras.
Aparece en: The Who Sell Out

39 «Black Magic Woman» – Santana 1970

Este cover de Fleetwood Mac se convirtió en un hit cuando Santana lo reinterpretó estilo Latin rock en Abraxas. Los encrespados solos de Santana muestran elegancia y fluidez, y guitarristas como David Gilmour y Prince han modelado su estilo y timbre tomándolo como ejemplo.
Aparece en: Abraxas

38 «Stay With Me» – The Faces 1971

En una banda liderada por una estrella (Rod Stewart), Ronnie Wood era un compañero de equipo que lanzaba riffs frenéticamente variados. Sus acrobáticos solos sostenían la dinámica de la canción. No es sorprendente que los Stones lo ficharan unos años después.
Aparece en: A Nod Is As Good As a Wink…to a Blind Horse

37 «That’s All Right» – Elvis Presley 1954

La mezcla de blues y country de Scotty Moore fue el punto de partida de los siguientes 54 años del rockabilly. En el primer single de Elvis, el lujurioso solo de Moore dialoga a la perfección con la voz de Elvis y la guitarra rítmica. Es difícil creer que ésta fuera apenas la segunda vez que tocaban juntos.
Aparece en: Sun Records 50th Anniversary Collection

36 «Interstellar Overdrive» – Pink Floyd 1967

En realidad es solo un riff… Tocado por todo Pink Floyd al mismo tiempo, luego modificado, desvanecido y renacido a lo largo de diez psicodélicos minutos. Su impacto sobrevivió a la partida de su compositor (Syd Barrett) y fue versionado por Pearl Jam y The Mars Volta.
Aparece en: The Piper at the Gates of Dawn

35 «1969» – The Stooges 1969

El genio para tocar de Ron Asheton, como el de Iggy Pop para cantar, no tiene nada que ver con el virtuosismo, pero sí mucho con la energía pura y dura. Los pedales wah wah nunca fueron tan inspiradamente abusados, y el solo de dos acordes de Saetón fue la base para toda una tradición de rock de garage.
Aparece en: The Stooges

34 «Walk This Way» – Aerosmith – 1975

Las sincopadas notas de «Walk This Way» impulsaron la carrera de Aerosmith dos veces: primero como exitoso single en 1976; una década después, con la versión de Run DMC. Joe Perry sabe perfectamente de dónde salió: de una prueba de sonido en Hawai. «Estaba con un humor funky», dice Perry, que comenzó a tocar un riff inspirado en los legendarios Meters, de Nueva Orleáns. El baterista Joel Kramer, que previamente se había ganado la vida tocando en bandas funk de Boston, se le unió, «y todo salió de repente». La canción fue grabada en The Record Plant de Nueva York a principios de 1975. «Había una cafetería donde solíamos ir antes de entrar en el estudio –recuerda Perry–. Era un buen momento para un café irlandés.» Entonados por la cafeína y el whisky, Perry y el guitarrista Brad Whitford armaron los ritmos. «Nunca hablamos sobre quién iba a tocar cada parte, sólo nos dejábamos llevar.» Perry tocó los solos con su Strato y usó una Les Paul del 68 para la parte rítmica, como lo hizo en todo el resto de Toys in the Attic. «No tenía muchas guitarras en esa época», dice. Para sonar realmente como los Meters, dice Perry, «sabíamos que necesitábamos vientos». El y Whitford no querían incluir músicos sesionistas, así que adaptaron el sonido de los bronces a sus guitarras. Termina Perry: «No íbamos a paralizarnos por el tema de los vientos. Somos guitarristas».
Aparece en: Toys in the Attic

33 «Master of Puppets» – Metallica 1986

Esta larga y cambiante canción muestra que no todo el metal de California era spray para el pelo y acordes fuertes. Es un desfile infernal de figuras cortantes y notas enérgicas en una canción anclada por una serie de notas que se detienen súbitamente y guitarras que suenan como frenos chirriantes.
Aparece en: Master of Puppets

32 «Sultans of Swing» – Dire Straits 1978

Parte estilo Nashville, parte pub-rock, esta oda a una banda de jazz ofrece una alternativa terrenal al disco y al punk de finales de los 70. El cantante y guitarrista Mark Knopfler escribió la canción con una guitarra acústica, y luego la pasó a una Stratocaster. Sus solos imitan una trompeta que responde lo que él canta.
Aparece en: Dire Straits

31 «Keep Yourself Alive» – Queen 1973

El primer single de Queen fue la declaración de principios de May: una falange de guitarras sobregrabadas llorando al unísono, con ritmos, texturas y efectos demenciales (¡chequeen ese ruido de ciencia ficción!). Es como si los riffs de todo un álbum hubieran sido metidos en una sola canción.
Aparece en: Queen

Recorremos la lista de las 50 mejores canciones de guitarra

Momentos icónicos que han redefinido la historia de la música a lo largo del mundo. Canciones, guitarras, guitarristas que sin dudas marcaron una época. Estas son las 50 mejores canciones de guitarra. A nuestro gusto las mejores canciones del mundo 2021, es música de guitarra para escuchar y disfrutar.

30 «(We’re Gonna) Rock Around the Clock» – Bill Haley and His Comets 1954

Fue el primer hit número 1 del rock & roll, y la parte de guitarra de Danny Cedrone, por la que le pagaron 21 dólares, se convirtió en el solo arquetípico del R&R. Pero él nunca fue una estrella: meses después de grabar esto, murió en un accidente.
Aparece en: The Best of Bill Haley and His Comets

29 «Back in Black» – AC/DC 1980

El dúo de guitarras de Angus y Malcolm Young es el ideal platónico del hard rock. El puente es más pesado de lo que muchos fisicoculturistas podrían soportar, y el riff es altamente reconocible: «Black» fue versionado por todo el mundo, de Living Colour a Shakira, y sampleado hasta por Eminem y los Beastie Boys.
Aparece en: Back in Black

28 «Where the Streets Have No Name» – U2 1987

Las rafagas de guitarra de The Edge lanzaron a U2 desde el Top 40 hasta la estratosfera de la cultura pop. Una prueba de que su estilo de guitarra es tan icónico como la voz de Bono: él toca durante dos minutos antes de que empiece la parte vocal.
Aparece en: The Joshua Tree

27 «Look Over Yonders Wall» – The Paul Butterfield Blues Band 1965

Mike Bloomfield fue uno de los primeros guitarristas en profundizar en el blues de Chicago, y uno de los mayores magos de la guitarra de todos los tiempos. Esta híper cargada versión de Elmore James muestra por qué Dylan lo reclutó enseguida.
Aparece en: The Paul Butterfield Blues Band

26 «How Blue Can You Get?» – B.B. King 1965

King en su cenit de los años 60, tocando canciones llenas de deseos frustrados con líneas de guitarra que suenan como dagas. Live at the Regal fue tanto el mejor disco en vivo de King como el final de una era. Dos años después, él declaraba: «Ahora vienen a verme muchos más chicos blancos».
Aparece en: Live at the Regal

25 «Can’t You Hear Me Knocking» – The Rolling Stones 1971

El riff tipo «golpe en tu puerta» fue un clásico de Keith Richards, mientras que el solo mostró el toque disciplinado de Mick Taylor. «Mick era muy lírico con las canciones», dijo Charlie Watts, resaltando su gusto por la coda instrumental. «Esa fue una verdadera zapada, una sola toma.» Y por su puesto forma parte de las 50 mejores canciones de guitarra.
Aparece en: Sticky Fingers

24 «Killing in the Name» – Rage Against The Machine 1992

En 1991, un año antes de que Rage Against the Machine lanzara su álbum debut, Tom Morello estaba dando una lección de guitarra en su pequeño departamento de West Hollywood, enseñándole a un estudiante los riffs de hard rock que son característicos de la afinación drop D (en la cual la sexta cuerda es afinada más baja para crear acordes más graves). Como la Telecaster de Morillo tenía una traba que impedía los cambios drásticos de afinación, le enseñó la técnica con un bajo Ibanez. «Me salió el riff de «Killing in the Name». Así que detuve la clase, tomé mi grabadora Radio Shack, registré esa pieza y seguí con la lección», recuerda Morello. Al día siguiente, llevó el riff a un estudio de North Hollywood. «Ahí arrancamos», dice. Igual, Morillo señala que esa canción esencial fue fruto de un trabajo colectivo: «El bajo de Timmy C, la batería funky y brutal de Brad Wilk y la convicción de Zack [de la Rocha] se fundieron con la guitarra». Pero el track «Killing in the Name» fue la presentación ante el mundo del estilo demencial de Morello, que incluía sustituir la púa por una llave Allen y mover el switch del micrófono como un DJ haciendo scratching. «Estábamos fusionando hard rock, punk y hip-hop, y yo era el DJ –dice Morello–. Me permitió imitar un montón de sonidos que había oído en los discos de Dr. Dre y Public Enemy.
Aparece en: Rage Against the Machine

23 «Over Under Sideways Down» – The Yardbirds 1966

Aquí hay algo del blues de Chicago, pero la interpretación de Jeff Beck es más ruidosa que todo lo que se hubiera hecho antes. En una banda a la que nunca le faltaron héroes de la guitarra (incluyendo a Eric Clapton y Jimmy Page), Beck inventó el heroísmo de la viola tal cual lo conocemos hoy.
Aparece en: Roger the Engineer

22 «A Hard Day’s Night» – The Beatles 1964

Ya han pasado cuarenta y cuatro años y todavía nadie está seguro de qué es ese acorde inicial, pero cuando estalló en la primera película de los Beatles, marcó los 60 como la década pop. Las doce cuerdas de la Rickenbacker de George Harrison engendraron todo el folk rock.
Aparece en: A Hard Day’s Night

21 «Seven Nation Army» – The White Stripes 2003

¿Cuánto ruido puede hacer una guitarra? Mucho. Las seis cuerdas de Jack White son responsables de todo, de la línea de bajo, el slide, e incluso del riff más inolvidable de la última década. No muchas canciones pueden jactarse de haber sido versionadas por Audioslave y los Flaming Lips.

De las 50 ya entramos en las 20 mejores canciones de guitarra

Más allá de gustos y estilos no podemos negar que hasta ahora venimos todos mas o menos de acurdo en como se viene desarrollando esta selección. Sigamos con las 50 mejores canciones de guitarra.

20 «People Get Ready» – The Impressions 1965

El mas profundo de los himnos de Curtis Mayfield a la lucha por los derechos civiles de los negros abre con una elocuente interpretación de su guitarra en afinación abierta: el ritmo remite a los nuevos sonidos que venían de Jamaica, y el solo es tan expresivo como su canto. Bob Marley luego lo sintetizaría en «One Love».
Aparece en: Ultimate Collection

19 «Purple Rain» – Prince and the Revolution 1984

Prince no habia mostrado mucha inclinación por el gospel antes de esta canción, pero si su solo no es una plegaria, nada lo es. Parcialmente grabada en vivo, la canción lleva un ritmo ascendente durante ocho largos minutos, y la guitarra de Prince funciona como una extensión de su voz.
Aparece en: Purple Rain

18 «Blitzkrieg Bop» – Ramones 1976

No hay solos de guitarra, porque Johnny Ramone odiaba los solos. Pero sus acordes están imbuidos del punteo de Dick Dale y el rasgueo de Bo Diddley. Joey Ramone una vez dijo que, en la guitarra de Johnny, él podía escuchar, al menos, un órgano, un piano y otros instrumentos más que en realidad no estaban allí.
Aparece en: Ramones

17 «Black Sabbath» – Black Sabbath 1970

A la fuerza, Tony Iommi inventó la guitarra en el heavy metal: perdió la punta de dos dedos de la mano con la que marcaba las notas y utilizó pequeñas prótesis y afinaciones graves para que tocar le resultara más fácil. Su riff disonante (también llamado «el acorde del diablo») se convirtió en la base de miles de canciones metaleras.
Aparece en: Black Sabbath

16 «Cowgirl in the Sand» – Neil Young with Crazy Horse 1969

Los solos de Young en este tema de diez minutos son una maraña arrítmica y zumbante, y es por eso que suenan increíbles. Bien por el guitarrista Danny Whitten, que crea con sus cuerdas un gran espectro de texturas y ritmos.
Aparece en: Everybody Knows This Is Nowhere

15 «My Generation» – The Who 1965

Antes de que destrozar guitarras fuera un cliché, eso causaba impacto. Y la canción emblema de los Who representa esa época, desde el riff de dos acordes de Townshend hasta su súbito silencio mientras John Entwistle arremete con un solo de bajo hasta el acople fenomenal que cierra la grabación original del tema.
Aparece en: My Generation

14 «Born to Run» – Bruce Springsteen 1975

Todo el dramatico romanticismo de los primeros trabajos de Bruce Springsteen está contenido en este riff de guitarra inspirado en Duane Eddy. Y es sólo la más notoria de las capas de trabajo de Fender en esta canción, que incluye desde el wah wah en el puente hasta ese solo resonante.
Aparece en: Born to Run

13 «Layla» – Derek and the Dominos 1970

«Yo no lo hice. Fue Duane», dijo Eric Clapton riéndose en 1988. El guitarrista invitado, Duane Allman, creó uno de los pasajes más excitantes y memorables del rock retomando la línea vocal de «As the Years Go Passing By», de Albert King, para luego acelerarla.
Aparece en: Layla and Other Assorted Love Songs

12 «Voodoo Child (Slight Return)» – The Jimi Hendrix Experience 1968

Esta es la obra cumbre de Hendrix: una explosión magistral toma por asalto la tradición blusera. Hendrix improvisó el riff con wah wah mientras un equipo de televisión filmaba. «No estábamos pensando en lo que tocábamos», dijo.
Aparece en: Electric Ladyland

11 «Whole Lotta Love» – Led Zeppelin 1969

Esta atronadora reescritura de «You Need Love» de Muddy Waters muestra tres especialidades de Jimmy Page: riffs monomaníacos, una producción innovadora y los solos de salvaje maestría que desarrollara cuando era cesionista en los años previos a Zeppelin.
Aparece en: Led Zeppelin II

Ingresamos al Top Ten de las 50 mejores canciones de guitarra

Este listado de las 50 mejores canciones de guitarra cada vez se pone más interesante y más ahora que ingresamos entre las 10 mejores.

10 «Smells Like Teen Spirit» – Nirvana 1991

Nirvana grabó «Teen Spirit» en tres tomas. Pero esa crucial intro de Kurt Cobain requirió una sobregrabación. «Eso le molestó mucho», recuerda el productor Butch Vig. Sin embargo, el esfuerzo valió la pena: ese riff, junto con la dinámica fuerte-despacio-fuerte, definió el rock de los 90.
Aparece en: Nevermind

9 «Statesboro Blues» – The Allman Brothers Band 1971

En 1968, Gregg Allman fue a visitar a su hermano mayor, Duane, por su cumpleaños número 22. Duane estaba en la cama, enfermo, y Gregg le llevó un frasco de píldoras para la fiebre y el disco debut del guitarrista Taj Mahal. «Dos horas después de irme, sonó el teléfono», recuerda Gregg. ««¡Hermanito, hermanito, vení a casa ya!»» Cuando Gregg llegó, Duane ya había tirado las píldoras y arrancado la etiqueta del frasco para usarlo como un slide para tocar «Statesboro Blues», la vieja canción de Blind Willie McTell que Taj Mahal había versionado. Duane nunca había tocado con slide, dice Gregg, pero «apenas lo tomó, comenzó a arder. Fue algo natural». La canción pronto se convirtió en parte del repertorio de la Allman Brothers Band, y la guitarra slide de Duane resultó crucial para su sonido. «Statesboro Blues» fue el primer tema de su legendario disco doble en vivo de 1971, At Fillmore East, y desde entonces, los sombríos acordes iniciales han conmovido a los fans en los shows. «No era algo que Duane tocara de la misma manera todas las noches», dice el actual guitarrista de los Allman, Warren Haynes, uno de los muchos que ocuparon los zapatos de Duane desde que él muriera a finales de 1971. «Pero en nuestras cabezas, ésa es la manera en que suena.» Hay algo que la actual banda no intenta replicar de la actuación de At Fillmore East: en el final del sublime solo de Duane en «Statesboro», el guitarrista toca una nota equivocada que Gregg llama «la nota del infierno». Dice Gregg: «El la dejó porque sabía que yo la odiaba». Y agrega que ese error suma a la leyenda de la canción. «Era en vivo. Fue algo que simplemente sucedió.»
Aparece en: At Fillmore East

8 «Stairway to Heaven» – Led Zeppelin 1971

««Stairway…» cristaliza la esencia de esta banda», le dijo Jimmy Page a RS en 1975. Es una obra maestra del crescendo dramático: el punteo acústico de Page desemboca en resonantes acordes que introducen el solo, una brillante sucesión de frases que se mueven sin pausa hacia el éxtasis del rock & roll.
Aparece en: Led Zeppelin IV

7 «While My Guitar Gently Weeps» – The Beatles 1968

Esta es la historia de dos gigantes de la guitarra y su encuentro cumbre: George Harrison, que escribió el tema con una acústica en la India, y Eric Clapton, que amplificó la angustiada voz de Harrison con una catarata de notas bluseras. Es el mejor ejemplo de su sonido filoso de finales de los 60.
Aparece en: White Album

6 «Eruption» – Van Halen 1978

Esta declaración de principios de 102 segundos es una pieza inventada arriba del escenario: un solo que demuestra su dominio del tono y la técnica, notable por la avalancha de notas que emite haciendo tapping sobre el diapasón. Ejércitos adolescentes intentarían imitar su estilo, común a las bandas metaleras de los 80.
Aparece en: Van Halen

Top Five de las 50 mejores canciones de guitarra

Ahora si, llegó la definición de esta nota tan especial, más allá de que lo repasado hasta aquí es extraordinario, la cuestión de las 50 mejores canciones de guitarra se define con las cinco que exponemos a continuación.

5 «Brown Sugar» – The Rolling Stones 1971

«Satisfaction» puede ser el riff más reconocible de los Rolling Stones, pero este hit de Sticky Fingers –basado en una parte de guitarra ideada por Mick Jagger– es el máximo exponente de la lascivia guitarrera de la banda. El arma secreta de Keith Richards: toca una guitarra a la que le falta la cuerda más grave.
Aparece en: Sticky Fingers

4 «You Really Got Me» – The Kinks 1964

Al principio era «una melodía tipo jazz», dijo el cantante de los Kinks, Ray Davies; y la línea de dos acordes estaba pensada para un saxo. «Eso era lo que me gustaba en esa época.» Luego su hermano Dave la tocó con la guitarra, conectada a un amplificador que había pinchado con agujas y tajeado con una hojita de afeitar: «Era una Gillette de una sola hoja», contó Dave. El solo –una maraña de notas en zigzag– anunció el nacimiento del rock de garage de los 60 y del punk rock, todo al mismo tiempo. «Dije que nunca iba a escribir otra canción como ésa», dice Ray. «Y no lo he hecho.»
Aparece en: The Kinks

3 «Crossroads» – Cream 1968

Eric Clapton una vez describió la música de Cream como «blues antiguo y moderno». Este tema lo demuestra. No tenía ni 23 años cuando tocó esta versión a alta velocidad del clásico de Robert Johnson en el Winterland de San Francisco, el 10 de marzo de 1968. Todo en los solos de Clapton se basa en el vocabulario del blues, pero apunta hacia el futuro. «Cuando Clapton arremete con un solo, escribe maravillosas sinfonías sobre la base del blues clásico con ese tono fantástico», le dijo Little Steven Van Zandt a Rolling Stone en 2004. «Uno puede cantar sus solos como si fueran canciones.»
Aparece en: Wheels of Fire

2 «Purple Haze» – The Jimi Hendrix Experience 1967

Este riff es puro blues, la misma estructura que Hendrix tocaba todas las noches en los clubes de R&B, como acompañante de Little Richard y los Isley Brothers. Pero en «Purple Haze», el segundo single británico de Hendrix y primer tema de la versión norteamericana de su disco debut, él se declara un hombre libre y revela un nuevo lenguaje en la guitarra, repleto de ansias espirituales y de la poesía que puede hallarse en la electricidad y la tecnología de estudio. «Uno puede tocar la guitarra o trascenderla», dijo Neil Young cuando incorporaron a Hendrix al Rock & Roll Hall of Fame, en 1992. «Jimi me mostró eso. Lo escuché, lo sentí, y lo quise hacer.» Hendrix escribió la base de «Purple Haze» en un nightclub de Londres en diciembre de 1966 y grabó las pistas con su banda, la Experience, dos semanas después. Pero el viaje galáctico llegó con las sobregrabaciones del 3 de febrero de 1967: los solos de Hendrix, sumergiéndose en el eco, fueron procesados por un octavador y replicados al doble de velocidad. En menos de tres minutos, Hendrix abrió una nueva era expresiva para su instrumento. Una era que no ha terminado.
Aparece en: Are You Experienced

1 «Johnny B. Goode» – Chuck Berry 1958

«Si queres tocar rock & roll, tenés que empezar por acá», le dijo el guitarrista de Aerosmith, Joe Perry, a Rolling Stone en 2004. Grabado hace cincuenta años, el 6 de enero de 1958 en los legendarios estudios Chess Records de Chicago, «Johnny B. Goode» fue el primer gran registro que versaba sobre las alegrías y la satsifacción que implica tocar rock & roll con la guitarra. Este single también contiene la mejor intro del rock & roll: una emocionante explosión de notas dada por el punteo trepidante de Berry, seguida por una sección rítmica que traduce a las cuerdas un riff de piano de boogie-woogie. «He could play guitar just like a-ringing a bell (tocaba la guitarra como quien toca una campana)», canta Berry en el primer verso, dando una descripción perfecta de su estilo, su potencia primitiva y la influencia que su sonido y sus reverberaciones ejercerían en todo el rock de guitarras, desde los Beatles hasta los Stones, y de ahí en adelante. «Era hermoso, fluido, y su timing era perfecto», dijo alguna vez Keith Richards, uno de sus más legendarios discípulos. «Es el maestro supremo del ritmo.» Chuck Berry escribía a menudo sobre el rock & roll y sobre por qué era bueno para uno. Ejemplos de eso son «Roll Over Beethoven», de 1956, y «Rock and Roll Music», del 57. Pero Berry nunca logró plasmar tan bien todo lo que sentía y pensaba al respecto como en «Johnny B. Goode», una historia real sobre cómo el hecho de hacer música puede cambiarte la vida para siempre. Aparece en: The Definitive Collection

De corazón deseamos que hayan disfrutado a más no poder de las 50 mejores canciones de guitarra en la vida del Rock & Roll.

Vía: La Nación

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Guitarras

Viola
Guitarra Electroacústica Yamaha

Trabajar con una Guitarra Electroacústica de Yamaha tiene todas las ventajas si te detienes a estudiar lo que te ofrece.

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Guitarra Electroacústica Yamaha

Esta sin dudas es una guitarra increíble, con un tono está bien redondeado, cálido sin ese molesto ruido de fondo La Guitarra Electroacústica Yamaha tiene un excelente balance en la relación Coste – Calidad

Si te interesa conocer todas las características y ventajas de esta increíble Guitarra Electroacústica, ¡esta es tu web!

Características de la Electroacústica Yamaha:

Estas son las características que más te interesan de esta guitarra Yamaha FGX800C:

Rica calidez y una resonancia abierta.Tapa de pícea maciza de Engelmann tratada con A.R.ECuerpo jumbo original con aros y fondo de palisandro macizoCuello de 5 capas con perfil de cuello tradicional de alto confortPastilla pasiva SRT Zero Impact

Ventajas de la Guitarra Electroacústica Yamaha

Trabajar con una Guitarra Electroacústica de Yamaha tiene todas las ventajas si te detienes a estudiar lo que te ofrece:

Un precio ajustado: Una de las cosas que más se deben destacar de esta guitarra es su gran precio. Bastante ajustado para la calidad que tiene el instrumento.Un peso medio: Aunque hay otras guitarras más ligeras, esta no pesa tanto. Es liviana y muy versátil.Cuerdas: Cuenta con cuerdas más ligeras en comparación con otras marcas.Sonido: la calidad del sonido es realmente buena, también sus accesorios son más que suficientes.Diseño: Ellos mismos se definen como un «enfoque moderno de la tradición».Manejo sencillo: Aunque no se tenga mucha experiencia en el uso de guitarras, Yamaha es una marca que se usa fácilmente y no requiere de mucha experiencia.

Guitarra Electroacústica Yamaha
Guitarra Electroacústica Yamaha

Hazte con tu nueva Guitarra Electroacústica Yamaha F325A en oferta

No deberías perder la oportunidad de hacerte con esta guitarra, y menos cuando la puedes conseguir con una oferta tan buena.

A diferencia de otros modelos, cuenta con tapa de pícea, fondo y costados de meranti laminado, la OTAN cuello, diapasón de palisandro, puente de madera de palisandro.

Esta madera Yamaha y la reproducción de sonido de guitarra acústica proporciona gran facilidad.

Una guitarra no solo para profesionales

Sin lugar a dudas, el atractivo de esta viola cae en el que no solo es una guitarra para profesionales. El diseño está pensado para que cualquier persona pueda usarla.

De este modo, es una guitarra que se puede utilizar para aprender como para tareas profesionales de solistas o grupos musicales. Sin dudas tiene mucha potencia y su resistencia es estupenda.

Las guitarras electroacústicas Yamaha vienen de una extensa herencia de los conocimientos en referencia al diseño de instrumentos acústicos respaldados por décadas de trabajo que ha generado sabiduría en la materia.

Opiniones de las Guitarras Electroacústicas Yamaha

Las opiniones de los que han comprado la Guitarra Electroacústica Yamaha no mienten: es quizás uno de los mejores modelos de la marca Yamaha. Para uso personal o de principiantes o para presentaciones de envergadura, cuesta mucho dar con algo de mejor calidad que esta guitarra.

Si te quieres hacer ya con la tuya, no te lo pienses mucho y mira esta oferta de Amazon que te ofrecemos. Podrás hacerte con una guitarra de alta gama por un precio que lo vale.

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Guitarras

Cordófonos
Tipos, Estilos y Modelos de Guitarras Criollas

La calidad de una guitarra de este tipo es su carta de presentación. No varía más allá de la denominación que se le adjudique. Son guitarras Criollas o simplemente guitarras.

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Tipos, Estilos y Modelos de Guitarras Criollas

Te presentamos la guía actualizada de todos los tipos Estilos y Modelos de Guitarras Criollas o Clásicas con detalles muy particulares.

Es un instrumento que pertenece a la familia de los cordófonos. Su utilización se da en diversos estilos musicales a lo largo del mundo, buscando puedes encontrar guitarras criollas usadas baratas, aunque también se definen como clásicas.

La calidad de una guitarra de este tipo es su carta de presentación. No varía más allá de la denominación que se le adjudique. Son guitarras Criollas o simplemente guitarras.

Modelos de Guitarras Criollas Gracia M2 Natural Tamaño Estándar Perfecta Para Iniciación Color Natural

-Guitarra de iniciación -Tamaño Estándar -Cuerpo/Caja: Abedul, con filetes negros -Brazo: Cedro paraguayo -Diapasón: Nogal seleccionado -Entrastadura: Bronce -Clavijero: Grabado, Niquelado -Color Natural

Guitarra clásica Valencia VC203 p/niño Natural satinado

Fabricada según estrictos estándares, en su propia fábrica en Indonesia, la Serie 200 comienza con una cubierta de abeto sitka, cuerpo de nato y cuello de jabon para un tono equilibrado. Un acabado satinado transparente y distintivo revela la belleza inherente de nuestras maderas de tono. Un diapasón de caoba ebonizado y un puente de caoba completan el aspecto elegante.

Todos los modelos de la Serie 200 cuentan con un respaldo arqueado para una mayor respuesta tonal y proyección, un atributo único entre las guitarras en este rango de precios y particularmente en tamaños fraccionarios.

Tipos, Estilos y Modelos de Guitarras Criollas

Las criollas son consideradas las madres de todas las guitarras, desde el diseño pergeñado por don Antonio de Torres, que sentó la base del estilo hoy conocido.

Los modelos con mayor nivel y calidad, de las guitarras criollas cuentan con diversas opciones y un instrumento de estos te brindará las prestaciones que espera cualquier músico.

Guitarra clásica Valencia VC203CSB p/niño Sunburst Clásico Satinado

La valenciana vc203csb-④ ти es una guitarra clásica excelente, que será una opción ideal para el entrenamiento. Valencia es conocida en todo el mundo como un fabricante de guitarras de alta calidad que se venden a precios razonables.

Las herramientas se producen en su propia fábrica en Indonesia bajo la estrecha supervisión de un equipo de especialistas calificados. Las guitarras de Valencia son productos duraderos que se caracteriza por una alta calidad de sonido. La cubierta superior de la guitarra está hecha de abeto, la cubierta inferior y la carcasa, de NATO.

El cuello, la almohadilla y el tornillo inferior están hechos de zhabona y caoba. La mecánica kolkovaya confiable sostiene perfectamente el sistema y proporciona facilidad al configurarlo.

Las cuerdas de nailon son cómodas para jugar a la altura, hacen que el modelo valenciano vc203csb sea cómodo incluso para los artistas más jóvenes, además el acabado Natural mantiene los poros de la madera abiertos, lo que mejora significativamente el sonido del instrumento.

La guitarra tiene un tembrom colorido y un excelente Sostén. Diseño compacto, cuello cómodo, cuerdas de nylon

Modelos de Guitarras Criollas/clásica Gracia M5f 4/4 Marrón Claro

– Tamaño: Clásico – Puente Madera . Color: Marrón Claro – Sin Corte

Guitarra Clásica Takamine GC1 NAT Natural

La GC1 es una atractiva guitarra acústica clásica construida para ofrecer un hermoso sonido de cuerdas de nailon. Una excelente opción para cualquier músico que busque una guitarra clásica asequible que funcione muy por encima de su precio, la GC1 cuenta con una tapa de abeto selecta reforzada con abanico y aros y fondo de caoba para un sonido completo y equilibrado.

El cómodo mástil de caoba y el diapasón de laurel proporcionan una gran sensación y facilidad de ejecución, además otras excelentes características incluyen una articulación de cuello de cola de milano, una hermosa roseta de mosaico con incrustaciones, una cejilla de hueso sintético y una montura de puente, una tapa de laurel, clavijas de cromo con botones de perlas blancas y un elegante acabado brillante.

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